domingo, 21 de enero de 2018

Top 10 Anime 2017 - Chaos Stigma




Preámbulo

2017 fue un año interesante. Aunque tal vez agitado sería la palabra correcta.
Pero como aquel tipo, que no quiere darse por enterado que las cosas se pueden poner feas, de un momento a otro y el hecho de verle el lado positivo a una mala experiencia, le sirve de placebo mental. Sólo diré que haber estado desempleado unos cuantos meses, ha hecho que el 2017 sea el primer año, en el que he visto una considerable cantidad de series de estreno. Situación que me ha servido para desprenderme del prejuicio nostalgiafag: “El anime está muerto” o del simpático meme que se atribuye a Hayao Miyazaki: ”Anime Was a Mistake”

Y sí. He encontrado con series de poco recomendadas a ofensivas, pero es lo usual, es el lado oscuro de la luna. Porque en compensación también he encontrado interesantes series que no dejan de aportar algo nuevo a sus respectivos géneros e incluso series que no siendo tan buenas, traen nuevas ideas y tal vez fracasen al final, pero la intención verdaderamente cuenta. 

AOTY CHAOS STIGMA 2017

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10.- Juuni Taisen

El concepto del Battle Royal, debo admitir, es una de mis premisas favoritas de acción. Luego existen forma de hacerlo como Btooom que es una lucha desesperada por sobrevivir, o como Fate/Stay, que es más una competencia por prevalecer, planteándote incluso si el fin justifica los medios. Junni Taisen, por su parte, es directa y te lleva a la acción, no nos da vueltas y no deja lo mejor para el clímax. No quiere que sientas empatía por sus participantes, sólo acción, estrategia y giros inesperados.
Acción y punto. Eso es lo correcto, si tus pretensiones filosóficas-existenciales, no darán la talla. No es así Re:Creators y Fate/Apocrypha?
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9.- Inuyashiki

Hiroya Oku conocido sobre todo por Gantz, es inusual al crear sus obras. Y bueno, calificar de “raro” lo que hace, no es enteramente una exageración. Tampoco es que el término sutil, le sea una palabra familiar. Lo que sí es innegable, son sus aciertos en el tema de la acción y el de sus personajes.  
“Inuyashiki”, sigue los caminos de Gantz, hay variaciones pero en esencia, no deja de ser Hiroya Oku marca registrada: tecnología Sci-Fi como detonante para la historia, preferencias por la ultraviolencia y algo que tenga que ver con escenas sexuales. Y por supuesto un espacio para mostrarnos atentados contra multitudes. Que parece tener cierta debilidad por ese tema.
Pero lo positivo es que acierta por eso mismo, cuando nos presenta a su héroe. Que mejor lugar para las buenas acciones, para que alguien haga al bien, que los mundos sínicos y psicóticos que crea Hiroya.
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8.- Isekai Shokudou 

En el anime, ¿Se puede hablar del tema culinario, sin ser tan burdo como Shokugeki no Souma?

 Afortunadamente sí.

En Isekai Shokudou, toda la acción gira en torno a  la cafetería Un lugar mágico que parece conectar con diversos puntos de un mundo fantástico. Teniendo aquel lugar como el Macguffin, para que conozcamos a los diversos personajes carismáticos que lo pueblan y a través de ellos y sus historias adentrarnos de a pocos ese vasto mundo ficticio.  En resumen, una interesante manera de contar una historia y personajes con sus propias subtramas, que bien podrían sostenerse en historias independientes.
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7.- Warau Salesman New

Como si fuera en una especie de leyenda urbana, El vendedor de sueños se encarga de hacer un negocio con aquella persona que está dispuesto a llenar el agujero que hay en su corazón.
Mejor centrada esta serie hubiera hecho de esa crisis existencial postmoderna, su mejor carta. Y me refiero, a lo común que es nuestra época actual: el escapismo, buscar reemplazos y evadimos de una vida que sentimos injusta. Y el hecho que exista un ente que te permita hacer lo que deseas, pero con la condición de no excederte, porque habrán terribles consecuencias, parece más una moraleja que un construcción ficticia. No nos habremos topado con una situación similar en nuestra vida, acaso no es cierto que excedernos con nuestras vías de escape, podrían traernos terribles consecuencias. No por nada dicen que los mitos están basados en la realidad.
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6.- Onihei

Bajo la incansable premisa de acción: época feudal japonesa. Una serie que nos habla de Heizo Hazegawa el jefe de una organización que vela por la paz en Edo, de aquella convulsionada época Tenmei en Japón. 
La acción se sustenta, porque la justicia como tal, se debe imponer a la fuerza y a veces hay que valerse de acciones no muy éticas para lograrlo. Onihei no tendrá la mejor animación posible, pero no deja de tener buenos momentos de acción, y sobre todo sus personajes y dramas que son el foco central. Porque las personas no están hechas de tonos blancos o negros el punto medio (gris) es el que predomina. 

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5.- Shoujo Shuumatsu Ryokou

Hay que estar predispuesto para ver algunas obras, llenarse de paciencia y saber esperar. Debo decir que me costó un poco terminar esta serie, la interacción entre sus protagonistas y sus diseños mismos, que parecen echar mano del moe, no es que lograran interesarme en un primer momento. Pero la intuición de que algo pasaría, me mantuvo pendiente. Y así fue: aquel mundo en escombros y desolado, por la que las protagonistas avanzan y aquellos pocos personajes que conocen, sirven para enmarcar el momento final de la serie y comprendes la magnitud de aquella revelación y como  las cosas más nimias que se pueden ver en el viaje, cobran verdadera importancia. 

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4.- Little Witch Academia

Una protagonista femenina ingresando a una academia de magia, resultando ser torpe aunque de buen corazón y mostrando que sus habilidades están por debajo de las demás, aunque su destino le depara grandes cosas. 
Si lo admito eso es cliché de manual. Pero no por eso está mal ejecutado. Los capítulos son divertidos, los personajes carismáticos y el formato de comedia y fantasía, nos muestra divertidas secuencias como las referencias a la literatura fantástica contemporánea.
De nuevo, el tema de hacerlo a tu manera o el perseguir tus sueños, es algo que otras series más populares ya han hecho. Pero no se puede negar que es un mensaje valioso y no tengo problemas en que se siga explotando. Solo hay que saberlo hacer y en ese aspecto, me agrada lo universal y el amplio público que puede abarcar  “Little Witch Academia”.
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 3.- 3-gatsu no Lion

Es un drama personal, que gracias a su dirección logra involucrarte fácilmente. Los primeros momentos son una revelación de lo que se oculta en su protagonista, aquellas imágenes tristes y frías que parecen marcar su vida. Sin embargo, mientras avanzan los minutos, la serie nos muestra que también hay espacio para la alegría y la ternura. Y son esos matices de tragedia y comedia, que hace especial a esta serie. Shinbou Akiyuki es muy certero en la dirección, siempre dispuesto a deslumbrar cuando la ocasión lo requiere. Puede hacer del ambiente  asfixiante y oscuro, como jovial y esperanzador. Y por el tiempo que puede mantener ese equilibrio la serie se convierte en un genuino ejercicio poético.

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2.- Made in Abyss

Tal vez el mayor suceso del anime, en el 2017. Made in Abyss es una de esas piezas maestras de la representación fantástica, que aparecen cada periodo de tiempo en el anime. Y cuya principal premisa de la exploración, nos abre las puertas a un nuevo mundo, a un lugar que no podríamos vislumbrar con nuestra corta imaginación, Es un recorrido que nos atrapa y nos hace parte de su historia. ¿Hacia dónde y cuál es el destino? Como en toda buena serie de travesías, eso no es tan importante, como el camino mismo.




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1.- Tsuki ga Kirei

Y finalmente termino pasando. Una serie del género romance-escolar, se quedó con mi primer puesto. Y no, no es que sea del tipo sensible o eso creo. Y no, no es que no haya sido tan quisquilloso como suelo ser con cualquier serie. Lo que pasa, es que me sorprende el hecho que Tsuki ga Kirei, siendo tan fiel a su género haya encontrado una nueva manera (aunque obvia) de abordar una temática, tan plagada de clichés y de escaso trasfondo y nos haya contado una historia romántica sin pretensiones, ni preámbulos innecesarios.
Porque al final de cuentas no es tanto el tema que toques, si no lo bueno que seas tocando dicho tema. Y Tsuki ga Kirei, hasta el momento, aunque sea poco lo que he visto de su género, es la mejor.

domingo, 14 de enero de 2018

Shingeki no Kyojin – 2da Temp: Buena adaptación, mal rumbo.



Alerta de Spoiler. Entre bajo su propio riesgo

Berserk 2017 Vs Shingeki no Kyojin 2017

Shingeki no Kyojin es mejor que Berserk”. Pensaba poner esa frase  en el título de esta entrada, pero eso sería entrar en terrenos del lamentable clickbait (Aunque buena falta le hace a este blog). 

Pero la verdadera comparación que me interesa entre Berserk y SnK, está en terreno de la adaptación. Aunque claro esta es una comparación motivada por la burla, porque no es necesario ahondar demasiado para encontrar a un ganador.
Por un lado tenemos una adaptación, con una extraña y deslucida animación híbrido, venida de un estudio de animación desconocido y que ni siquiera a esos mismos desconocidos realizadores parece gustarle. Y por otro lado tenemos a Wit Studio, que sabe lo que hace y cuenta con los medios suficientes, para  llevar a cabo una más que satisfactoria adaptación. Motivo por el que al terminar de ver esta segunda temporada, no hay necesidad de ver el manga. Mientras que en el otro caso, lo ideal sería no hacerse spoiler con el adefesio ese, que llaman  Berserk 2017 e ir directamente por el manga.

Y si alguien quiere saber mi opinión: olvidarse que hubo adaptaciones de Berserk, más allá de 1998.

Animación y dirección

La segunda temporada al igual que la primera, es magnífica en su apartado visual. Con  una animación fluida y detallada, una agradable paleta de colores de tonalidades cálidas, que se ven manifiestas en los fondos elaborados y sobre todo en la creación de los cielos; que parece haberse convertido en el sello personal del estudio. Pero también la dirección es muy acertada, me agrada esos planos amplios, para mostrar las proporciones: Titán-humanos y Titán-“La Muralla”. Algo que representa la esencia del propia diégesis.


Las Murallas


Por ejemplo en el capítulo 07, cuando nos muestran la confrontación entre Eren y el titán Acorazado. En el clímax de la lucha, podemos ver una excelente composición: Mikasa en primer nivel, un enorme brazo cercenado que cae cerca de ella, en segundo nivel  y la lucha entre Eren y titán Acorazado que continua en el tercero. Logrando así un impactante nivel de profundidad en escena. Algo que no veía desde Evangelion.


Capitulo 07

La esencia del Titan

El final del Capítulo #0. del cómic de Marvel “Secret Wars (2015)” tiene como una especie de regalo, o fanservice si se me permite el término. Una ilustración de Nobuhiro Sugie. En la que nos muestra lo que pasaría en una confrontación entre los Avengers y los Titanes.
Al final de aquella ilustración, me quede un poco decepcionado y pensando  “bueno ya mostraste tu punto y ahora qué”. Porque se podrían decir que Superman derrotaría a todos los Titanes, sin siquiera sudar. Pero lo esencial de los Titanes: es su peligrosidad y en como parece una tarea casi perdida el lidiar contra ellos. Ese es su verdadero valor como elemento narrativo, es el mismo antagonismo de cara a la supervivencia. Lo pones fuera de esas premisas, como lo hizo Nobuhiro Sugie y arruinas completamente su esencia.


Avengers y los Titanes, final del capitulo #0 de Secret Wars (2015)  

Y lamentablemente el giro inesperado del capítulo final de esta segunda temporada, resquebraja esa esencia 

Éramos felices hasta que alguien arruino el guion

El capítulo 11, de hecho no me gusta; lo clasificaría de extraño inclusive. Todo empieza con la lucha por salvar a Eren, porque por enésima vez es capturado por el enemigo. Y ya desde aquí, desde es “jugar a la damisela en apuros”, como que empieza a ser molesto.
Pero bueno, mientras ocurre ese último enfrentamiento entre La Legión de Reconocimiento, por liberar al secuestrado Eren, en una escena que tiene un par de elementos cómicos sin proponérselo. Como la  del Comandante Erwin, siendo mordido por uno de los titanes, mientras le da suficiente tiempo para gritar órdenes  a su unidad. O también otra escena ambigua que ocurre en el caos de la lucha, y  uno de los soldados salta del caballo directo a la boca de un Titán… Y sólo falta risas enlatadas supongo.

Pero todo esto no es más que el marco para el climax final del capítulo:
“Eren puede controlar a otros titanes”, ese es el giro final de esta segunda temporada. Y eso es un poco entrar en conflicto con lo lucha desesperada que se llevaba hasta entonces, es restarle el valor de amenaza que representan los Titanes. Y bueno tal vez estoy adelantando opinión y la historia vaya a compensarlo de algún modo, pero es decepcionante que se alejen de la idea inicial. 

Conclusiones

En general esta temporada queda demasiada corta, nos muestran cosas interesantes en el openning pero luego nunca aparecen. Es sólo marketing para engancharte con la historia, así como el Titán que puede hablar, ya que poco se sabe de él. Hay una importante revelación de otros Titanes infiltrados, pero hacerlos tan humanos lejos de mejorarlos como antagonistas, me parece más un artificio y lo lamentable es que probablemente terminen siendo aliados y luchando al lado del protagonista. Y para terminar Eren con su “super poderes” para arruinar un poco el ambiente de incertidumbre, que era un buen elemento en su historia.
Esta segunda temporada, solo es una enorme interrogante. Habrá que esperar la tercera temporada para saber hacia dónde va este barco.

Puntuacion: 6.0        


domingo, 7 de enero de 2018

Shingeki no Kyojin - Del discurso a la acción.




Una dudosa primera parte

Siendo sincero, los primeros capítulos de Shingeki no Kyojin; fuera de su aspecto visual. No me pareció la gran cosa. Ya desde la misma presentación de un protagonista, con poco peso como Eren o unos personajes secundarios poco atractivos, no me dejaban mayores expectativas. Sin embargo el inconveniente mayor que le encuentro a esta primera parte: es el disforzado discurso, que se supone “épico”.

De primeras, debo admitir que la serie cuenta con una buena dosis de suspenso. Lo que es ideal cuando se quiere hablar de una guerra por la supervivencia y además para mejorar las cosas, no se necesita de un estúpido aliciente cómico (léase Puck de Berserk), para hacer llevadera la historia. Pero los momentos de tensión y el desaliento que sienten los personajes, cuando algo malo ocurre, siempre parecen destinados a dar pie a un discurso, que en términos generales suelen ser un tanto cursi y la mayoría de veces sólo sirve para hacer lucir bien, a quien lo recita. 


Esta es una lamentable escena.
Y lo curioso que cuando el discurso no logra su cometido, ocurre por ejemplo la peor escena de la serie, en el capítulo 10.

La escena en cuestión empieza con los protagonistas, Eren, Mikasa y Armin son rodeados por las tropas estacionarias; quienes les mantienen acorralados y los amenazan con un cañón. Y aunque eso último suene tonto, en contexto el uso de ese cañón se justifica en que hay sospechas que uno de los tres, sea un titán.

Es así que Armin, que no había hecho nada importante, hasta el momento, sale al frente y nos suelta el discurso de turno, y habla del deber, de implicancias morales, y bla, bla, bla... Pero la respuesta del discurso en lugar de conmover hace que el jefe del grupo ordene disparar. 
Y bueno en primer lugar, porque se espera tan pacientemente escuchar un discurso si va a disparar de todos modos y en segundo lugar, esta es una escena cómica de manual. Es lo que se conoce como subvertir las expectativas y esperar lo inesperado. Y obviamente no es la intención de esta escena.

Pero bueno… Luego de cuatro capítulos después, ocurre un juicio a Eren. Y que mejor excusa para los discursos cursis, pensé. Llegado a este punto de la historia, empezaba a saborear la idea de “dropear” la serie. Pero aparece Levi para salvar la situación.


Una Afortunada Segunda Parte

La aparición de Levi, quien en uno de las mejores introducciones de personaje que he visto: dándole una golpisa a un protagonista que me desagrada. Nos anuncia el un cambio en la serie. Y es hasta satisfactoria ver como golpea a Eren, es como decirle a la serie misma: cállate la maldita boca.



Esta es una escena que siempre me hace sonreír, cada vez que la recuerdo.

Y a partir de ese punto se puede decir que la serie crece,  es como si hubieran cambiado de estudio de animación, de director o Hajime Isayama, al llegar este punto, hubiera tomado otra perspectiva. Incluso el segundo opening es mejor, con esas increíbles transiciones entre imágenes.

La historia gana peso, nuevos personajes aparecen en la heroica Legión de Reconocimiento; mucho más carismáticos e interesantes que los personajes que habíamos conocido hasta el momento. La acción también se incrementa, la lucha contra los titanes se hace más brutal y emocionante. Y cuando vemos el enfrentamiento entre dos titanes; las escenas ganan un valor extra de salvajismo y aumenta aún más el valor agregado al espectáculo.

Pero mi escena favorita de acción, es cuando Levi entra finalmente en acción, en el capítulo 22. Es un poco jugar con las expectativas porque su fama le precede y cuando por fin lo vemos atacando con rapidez y temerariamente, recibimos más de lo que esperamos. La música electrónica, se torna emocionante e incluso resulta exagerado la secuencia en la que él rueda (literalmente) cortandole el brazo al Titan mujer. Pero me gusta, porque ese efectismo es lo caracteriza al Shonen, es poner la acción a primer plano y “volarte la cabeza”, cuando menos te lo esperas, ese es un terreno que domina bien la serie.



Valio la pena esperar está escena.

Conclusiones

Es comprensible la popularidad de Shingeki no Kyojin , su premisa se presta para tocar géneros como el misterio y el horror, la animación logra resultados magníficos en el tema de la acción, la banda sonora es portentosa, una de las mejores que he escuchado. Y como plus, debo agregar que me sorprende, como una serie tan popular, no recurra en ningún momento al fanservice barato.

Puntuacion: 7.4        

miércoles, 27 de diciembre de 2017

Shingeki no Kyojin - El peligro tiene un rostro humano



Introducción

Recuerdo el año 2013 que estreno la adaptación al anime del manga Shingeki no Kyojin, porque casualmente coincidió con el estreno de una nueva película de Dragon Ball. Una franquicia que regresaba luego de 18 años; pero no de la mejor manera por cierto y hacia preguntarnos: ¿Era necesario que Akira Toriyama vuelva a traernos la misma formula? En fn me estoy saliendo del tema. El punto es que Shingeki no Kyojin, opaco ese retorno que tanto esperaban muchos. Y la verdad es que celebré mucho ese suceso, quiero decir siempre estaré del lado del que traiga algo nuevo.

El lobo del hombre es el hombre

Es interesante a donde quiere apuntar con los “Titanes”, el mangaka Hajime Isayama: “El peligro que se esconde en el rostro humano”, el como luego de haber evolucionado y estar por encima de cualquier criatura, podemos sentir temor de nuestros semejantes, tal vez conscientes del potencial peligro que esta implícito en otro ser humano como nosotros.

Y allí reside parte de la tensión que suele desprender esta serie, el bestialismo humano, con un rostro y gestos que nos son familiares, con ademanes propios de un inestable mental, pero con una altura que afirma nuestra insignificancia, con una fuerza que nos hace desprotegidos y una ferocidad que nos convierte en simples presas. En ese sentido es una de las mejores creaciones, de una criatura come hombres.   



Y la referencia que posiblemente dio origen a esta idea del “Titan”, es el cuadro del pintor español Goya, titulado: “Saturno devorando a su hijo”, pero también en la literatura podemos encontrar referencias en la Odisea, en el cíclope Polifemo o Los Lestrigones habitantes de una isla desconocida. Pero también me atrevo a decir que en nuestros días, esta idea me parece próxima a una ya explotada, y me refiero al conocido subgénero de terror, de los zombis.

¿Una versión alternativa?

Hasta el momento no he visto nada interesante, cuando el anime toca al subgénero de los zombis. Las pocas veces que ha tocado en el tema, han sido lo peor que haya salido del anime, claro exceptuando “Kabaneri of the Iron Fortress”, que casualmente pertenece al mismo estudio y que hace un intento valiente sin necesidad de usar porno (Highschool of the Dead), ni moe barato (Gakkougurashi!), pero que no me termina de convencer completamente. Porque primero es una historia inconclusa y luego que la historia se aleja de su planteamiento inicial que hablaba de la supervivencia, para cambiar hacia otra dirección, para hablarnos de venganza, de buenos y malos y de que tan genial puede llegar a ser el protagonista. 

Pero me estoy alejando nuevamente del tema central.



Shingeki no Kyojin, es esa respuesta que estaba buscando, es lo más parecido a lo que el anime tiene del subgénero zombie. Me gusta llamarle una versión alternativa. Tan sólo hay que revisar las premisas para encontrar similitudes: una especie desconocida de vida, una horda aparentemente imparable, la humanidad a las puertas del exterminio y la historia central, que por lo general transita en torno a las vidas de los protagonistas, que se ven amenazados o que han perdido a alguien y la lucha desesperada por evitar sucumbir ante esa fuerza desconocida.

Y ese es el punto fuerte de la serie, realmente llegado un momento, Shingeki no Kyojin puede desprender una buena dosis de tensión en el ambiente y hacer sentir el peligro que se cierne sobre sus protagonistas, y eso es algo que muy pocos “shonen” pueden lograr.


lunes, 25 de diciembre de 2017

HANNIBAL (Tv Serie - Temp. 1) – Al acecho





Introducción

En el medio audiovisual, acaso hay algo más que sacarle a la franquicia de Hannibal Lecter de Thomas Harris.
Y me refiero al hecho de que ya existen cinco películas en torno a ella. La más famosa y premiada, protagoniza por Anthony Hopkings: “TheSilence of the lams (1988)", del director Jonathan Demme, ganadora de cinco Oscar, luego vendría su secuela Hannibal (2001) del director RiddleyScott, que se llevo criticas mixtas.
Luego están en un modesto segundo lugar las películas que adaptan el libro: “Red Dragon” 
“Manhunter” (1986) de Michael Mann y “Red Dragon” (2002) de Brett Ratner y finalmente la impopular de la franquicia: “Hannibal Rissing” (2007) de  Peter Webber.

Luego para la cadena NBC apareció “Hannibal” 2013 de Bryan Fuller  y esta toma como referencia al libro “Red Dragon” y como precuela nos muestra el inicio del antagonismo entre Hannibal y Will Grahan.

Y entonces a la pregunta inicial: ¿Hay algo más que ver? 

Algo que decir

Pues la verdad, es que no es un ejercicio vacío como imaginaba. Incluso se profundiza la relación entre protagonistas, que se plantea como una especie de amistad retorcida entre el Doctor y de Will Graham.
Luego la serie mantiene ese aspecto policial-forense de las película y ciertamente esas persecuciones y búsquedas detectivesca resultan interesantes, claro escabrosas de por sí, pero supongo que entretenidas para quienes gustamos del género. Y Hannibal también es como debería ser: inquietante, en las sombras y al asecho, manteniendo el control de la situación y mostrando un frió cinismo. Después de todo es un asesino serial infiltrado en la policía.

Pero lo que más me llama la atención de la serie, es su apartado visual y he de reconocer que me  ha logrado impresionar, sobretodo el grado onírico que el director suele impregnar a las alucinaciones de Will. Y esto se debe a su magnifico apartado artístico, de género horror, alli por ejemplo, podríamos incluir esa impresionante disposición de los cuerpos que ocurre en el episodio 09. Una interesante “estética oscura” que la serie logra exhibir. 


Escena del capitulo 09


Will Graham. Es del lado del protagonista que encuentro mejoras significativas. Su situación es mucho más conflictiva e inquietante, que la que se ve en las películas del “Red Dragon”. De primeras nos muestran la especie de cuerda floja en la que se encuentra, no es un personaje seguro de si mismo, siempre actuando a la defensiva de sus propios actos, siempre pendiente de su habilidad que tiene de entender la mente criminal de una asesino en serie. Esa es la causa de sus angustias, es el preguntarse que tan cerca esta de convertirse en uno de esos mostruos que persigue.


Will Graham

Hannibal. Interpretado por Mads Mikkelsen. Y es una decisión que particularmente me agrada, la primera vez que vi al actor fue en mi película favorita del agente 007 “Casino Royale” (2006), y por supuesto como buen villano, en una película de James Bond, logra desprender un aura intimidante, además de cierta sofisticación muy acorde a su personaje. 
Y me agrada ese nuevo aporte, que le da la serie, al usar una especie de impermeable, por encima de sus ropas, cuando se dispone a cometer sus crimines. Y si bien es una idea sacada de “American Psycho” (2000), es un agregado que le aprate que visualmente le dota de extrañeza, nos muestra que existe una metodología con la que actua, además de su predisposicion para enfrentarse cuerpo a cuerpo con otra persona, que tan fuerte y calculador puede ser para llevar a cabo sus crímenes.


Hannibal.


Conclusiones 

Hannibal es una serie que se puede ver, aun no sabiendo nada de la películas que la antecedieron, incluso diría que desconocerlas aporta en mejorar el suspenso. De allí que la serie desprende un ambiente de inquietud y terror importante, no tanto cuando tratan de entrar en el terreno de los “jump-scream”, queriendo sacar el susto fácil, sino cuando  se juega la mejor carta en su protagonista; con los horrores que ve y los que se esconden en su propia mente y por supuesto la presencia de Hannibal que parece divirtiéndose, experimentando, como una especie de titiritero siniestro, siempre en las sombras y un paso por delante de sus victimas.

viernes, 8 de diciembre de 2017

One Punch Man vs Mob Psycho 100



Zona de Spoiler: Entre bajo su propio riesgo.

Las comparaciones son odiosas, pero son necesarias cuando se trata de tener una mejor perspectiva de una obra y sobre todo sin son títulos creados por el mismo autor. Y bueno One Punch Man, habrá generado más reacciones, pero Mob Psycho 100 también tiene lo suyo, y lejos de querer imponer una serie sobre la otra, me parece interesante analizar los puntos débiles y fuertes de cada una.

 Animación

Queda claro que visualmente Mob Psycho 100 es destacable, la animación no será tan estética como la de One Punch Man, pero no es para nada de menor calidad. Es una especie de referencia al estilo de su mangaka ONE. Es por ello que en este aspecto ambos apartados están empatados, tiene un estilo muy particular y un despliegue visual magnifico, fruto de una certera dirección.

Comedia

El tono general de ambas series va por el terreno de lo cómico, es uno de los principales atractivo de las obras de ONE. Ahora bien, la comedia en  One Punch Man, no es de carcajadas, es sutil, incluso subversiva, por ejemplo: cuando Genos le cuenta su historia a Saitama. Es un momento a propósito alargado, la historia de su venganza no está seguida de algún flashback, ni imágenes; es monótona como si fuera una historia que ya se ha contado muchas veces, no hay ni pizca de emoción en Genos cuando la cuenta, solo un relato lleno de exposición, para burlarse del cliché “la historia de la venganza del héroe”, claro todo esto realzado por un  primer plano de la regadera en forma de elefante, que nos muestra un gesto de aburrimiento.


El detalle de la regadera es genial.

 Y bueno no voy a negar lo inteligente de aquella escena, pero me he divertido en mayor medida y en más de una ocasión con la comedia de Mob Psycho 100, sobre todo porque es una comedia visual, es jugar con las expectativas. Algo que integra los diversas situaciones y a sus personajes, es por ejemplo: el club de fisico-culturismo luchando por “rescatar” a Mob, todo una representación exagerada de una pelea, que parece tomarse demasido en serio, llena de postureo y efectos de rayos para acentuar el ambiente supuestamente bélico, una escena que sólo es el prologo de la lucha de Mob contra Teruki, que continua con más de un momento hilarante. Y luego no olvidemos al mejor elemento cómico de la serie: el impredecible y carismático Reigen, de lejos el mejor personaje.


Es difícil superar a. "la patada voladora anti-psiquicos"


Protagonistas

Seré directo y sin anestesia: Saitama es mejor personaje que Mob, por el simple hecho que tiene una personalidad mejor definida. Y en general suele mostrarse indiferente cuando está peleando, pero es genial cuando muestra sus sentimientos, cuando delimita su territorio y dice: “esto no me gusta”. Por ejemplo cuando le grita a una multitud quienes lo inculpan de no haber hecho bien su trabajo o cuando rompe la espada de Sonic con los dientes, en un claro lenguaje de no te metas conmigo. Y por supuesto las frases que interrumpen a Boros en la batalla final, son de otro nivel.  


Este es una clara muestra de lenguaje corporal: "No me vengas con estupideces"

En cambio cuando “explota” Mob, ni siquiera está consciente en ese momento y su rollo es lo que llamo: “síndrome de Gohan”. No quiere lastimar a nadie, no le agrada la lucha, tiene que ser provocado para reaccionar y claro cuando llega ese momento se convierte en un ser imparable. Y estoy consciente que todo tiene que ver con el mensaje que se hace eco de Spiderman “Todo gran poder, conlleva una gran responsabilidad”, pero esta situación su vuelve rutinaria y termina siendo predecible y no es que aporte demasiado en darle algo de tridimensionalidad a Mob.

Trama

El problema de cualquier Gary Stu, es que es un personaje creado exclusivamente para verse genial, para solucionar las tramas sin mucho aspaviento, mientras menos se despeinen mucho mejor. Es apelar a la fantasía de poder, a buscar proyectarse en el protagonista, pero de manera facilista y exageradamente complaciente.

Y bajo esa premisa, ONE nos presenta a sus protagonistas invencibles, y también están dentro del rango de lo que es un Gary Stu, pero la gran (afortunada) diferencia, es que son humanamente imperfectos. Y aquí está el acierto de ONE, porque él busca una deconstrucción, al mostrarnos que pesar de sus poderes ilimitados, los protagonistas no son el centro de los reflectores necesariamente y más que una ventaja, el tener ese poder ilimitado es la principal causa de sus conflictos. 

En este aspecto One Punch Man, es superior a Mob Psycho 100; porque el conflicto que sufre su protagonista, está mejor integrado al tema del poder ilimitado.
Saitama vive una vida aburrida después de hacerse invencible, sus enemigos a partir de entonces no le representan reto y su mayor deseo: el de convertirse en un héroe, parece cuestión de mero trámite. Su conflicto proviene al perder la satisfacción que causa, el luchar y esforzarse por algo, está condenado a obtener victorias vacías, poco satisfactorias.




Mob por su parte no es que tenga un conflicto tan grave con su poder. De acuerdo cuando se descontrola está completamente inconsciente de ello y puede destruir fácilmente lo que lo rodea, pero eso ocurre sólo si le provoca demasiado y la única vez que ocurrió, su propio poder reconstruyo todo lo que había destruido. Luego la llegada del grupo de espers (Claw) que secuestran a su hermano porque le confunden con él, no sé si podría considerarse tan negativo, es más gracias a ello, se convierte en el único héroe que es capaz de oponerse a ese "siniestro" grupo.
Por mi parte yo me imaginaba que el conflicto principal a causa de ese gran poder que posee Mob, era la rivalidad que se generaría con su hermano menor, ya que en los primeros capítulos vemos como una especie de complejo de inferioridad va desarrollándose en él. Y eso hubiera sido una gran apuesta, por un lado nos dejaría muy en claro lo contraproducente del poder del protagonista y por otro lado sentaría las bases para crear un antagonismo interesante. Pero lamentablemente todo queda en intenciones, al final de la serie, el atisbo de conflicto entre ambos hermanos se resuelve sin contratiempos y Mob queda como el buen hermano y genial héroe. Un final un tanto cursi, si alguien pregunta por mi opinión.




Conclusiones

Ambas series son recomendables, tanto en: animación, en dirección y buenas bandas sonoras. Además que como narrativa, ambas son interesantes e inusuales perspectivas del héroe. Pero al final si he de quedarme con una de las dos, me inclino por One Punch Man, sobre todo por su protagonista, por lo irónico que resulta ser tan poderoso y no tener los reflectores complacientes del Gary Stu.



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