domingo, 18 de junio de 2017

Girlish Number - Cuando intentas criticar a la “Industria”. Pero mejor no.(LN)


TITULO ORIGINAL

GÉNERO / DEMOGRAFÍA
Slice of Life / Seinen? (¿En serio?)

ESTUDIO DE ANIMACIÓN

DIRECTOR
Shouta Ibata (desconocido)







Luego del  primer capítulo de Girlish Number,  pensaba haberme encontrado con una serie que no sólo quería hablar de la indu4tria  del anime, sino que parecía querer desmitificarla. Mostrarnos a la animación japonesa como un “producto” y con ello, darnos nuevas perspectivas para los que no sabemos cómo se maneja esa gran maquinaria. Incluso pensaba que se atreverían a entrar en el terreno de la autocrítica y la sátira, dos veces los protagonistas dicen: “Algo anda mal con esta industria” y en un momento se ríen de la figura del escritor de la novelas. Y no contento con eso, la figura del productor también parecía ser tema de crítica y burla, a quien personifican como alguien insufrible e inepto y cuyo nombre Kuzu-P, que fonéticamente en japonés, suena parecido  a “basura”.


Al parece el menospreciar al escritor de novelas ligeras es un secreto a voces en Japón.

Sin embargo la serie ni siquiera llega a ser medianamente subversiva y no es que esté utilizando su  genérica historia de actrices de voces (Seiyus), para sutilmente reírse de los elementos a los que hace alusión. No, eso sería demasiado osado, Girlish Number es simple y llanamente una genérica historia de actrices de voces (matizada con un poco del genero Idol. Y se acabó, no rebusquemos más.

 - Y bueno tampoco es que quiera hacerme el desinteresado con respecta a una Seiyu “Idol”. Por ejemplo amo a esta mujer: Yuko Goto

Pero en cuanto a ver una historia relacionada con el tema, admito que le tengo cierto prejuicio al subgénero Idol, porque a pesar de no haber visto ninguna serie de esa clase, por lo general es un tema que en absoluto me interesa, ni el concepto que tienen de hacer música, ni el estándar de sus personajes; que por lo general son un grupo de chicas, en una típica historia que toca el cliché de la superación y tarde o temprano, la amistad. Sin darle mucho espacio al desarrollo de personaje y si existen conflictos, estos se resuelven de manera tan perezosa como han sido planteados.    


 A partir del segundo capitulo la serie se encasilla en la típica historia de amistad y compañerismo.

Como por ejemplo: el personaje que hace del productor Kuzu-P, cuyo Seiyu es alguien tan famoso y experimentado como Kazuya Nakai, quien verdaderamente hace un buen trabajo; pero es un esfuerzo desperdiciado porque su personaje es una especie de factor cómico mal logrado. Al principio pensé que serviría para tocar el tema de la negligencia y el poco profesionalismo, pero la trama no está pensada en hacer que sus personajes ganen algo de dramatismo o siquiera que tengan dificultades reales.

Y esto no solo tiene que ver con Kusu-P, quien después de abandonar su trabajo, nada le pasa y vuelve como si nada hubiera pasado. También algo parecido ocurre con las protagonistas como: Sonou Momoka, quien vive a la sombra de la famosa figura de su madre, resuelve sus conflictos con ella, con una llamada por celular a larga distancia y Shibasaki Kazuha quien tiene una conflictiva relación con su padre por el tema de su trabajo como Seiyu, el asunto se resuelve con un simple “cuídate”, de parte de un supuesto irascible padre.

Pero por otro lado tenemos el clímax final con la protagonista Chitose, quien parece ser relegada y  supuestamente está sucumbiendo ante la presión de su carrera, su situación se resuelve con un discurso de aliento, de su manager-hermano, que siempre pudo haberle dado ese discurso, pero se esperó hasta el último momento para generar tensión.

Al final todo termina con sonrisas, porque eso de que había algo malo con esta industria sólo
eran especulaciones .

Conclusiones

Toda la historia gira en torno a sus protagonistas, pero en un ambiente laboral más que ficticio, en el que no hay conflictos de intereses, ni guerra de egos, ni imposiciones injustas. Aquí todo es de color rosa, sin que haya alguna mínima muestra de fricción entre las protagonistas, algo completamente opuesto a lo que sería un trabajo tan competitivo. Lo que es irónico porque la serie quiere reflejar eso mismo.

En los últimos minutos, las protagonistas empiezan a hablar del anime en el que estaban trabajando, diciendo que era una serie genérica y que salvo su apartado técnico, no había más. Diríamos que la serie en esos momentos: ¿Acaso se está burlando de sí misma?
 Pero saben algo, después de todo lo visto, se me hace muy difícil pensar que esta serie pueda ser siquiera inteligente para atreverse a algo así.

Puntuación: 2.8 

jueves, 11 de mayo de 2017

Barrabas: Esa luz que no era luz o la maldición de seguir vivo.

- Siempre quise hacerle una reseña a esta película, pasaron muchas cosas y tuve que prolongarlo demasiado, pero por fin encontré el medio y el momento para hacerlo.  

Introducción

Barrabas es una película italiana realizada en 1961, siendo una adaptación del libro: “Barabbas” del escritor sueco, ganador del Premio Nobel de literatura 1951, Pär Lagerkvist, que narra la ficticia vida del criminal liberado a cambio de Cristo. 

La película tiene muchas cosas a su favor, como la certera dirección de Richard Fleischer, un director que destaca por tener una amplia filmografía y su capacidad por abordar múltiples géneros, una banda sonora a cargo de Mario Nascimbene, que logra generar esa portentosa ambientación místico-religiosa y el trabajo de fotografía emulando las luces de Rembrant de maravillosos claros-oscuros, a cargo de Aldo Tonti. Y por supuesto el trabajo actoral de Anthony Quinn, que es una de esas interpretaciones tan bien logradas, que al final no puedes concebir a otro actor en el mismo papel.

Esa luz que no era luz

La película empieza con las oscuras escenas de una prisión, en la que se encuentra Barrabas, al poco tiempo llegan los guardias romanos para sacarlo al exterior, este refunfuña y de mala gana va con ellos. Al salir al exterior, el prisionero logra ver a una multitud y a un extraño que ha sido azotado, y al intentar ver su rostro el resplandor de la luz lo ciega y le impide verle el rostro.

Esto es una de las similitudes que la película tiene con Ben Hur, en ambas no se puede ver el rostro de Cristo.


Barrabas es esa oscuridad que ignora por completo la luz, a pesar que pueda verla tan cerca, esta rehúye de él, se vuelve inalcanzable y finalmente se transforma en fuente de desesperación. La luz en este caso, es la redención.
La película nos muestra  estos patrones de luz y oscuridad en momentos específicos, valiéndose además de sus personajes, para así hacer énfasis en su narrativa.
Por ejemplo: la crucifixión de Cristo, que resulta ser una escena sobrecogedora, una hermosa imagen embellecida en mayor medida por los efectos de la luz, del miedo moral que representa el eclipse que acontece en su muerte. Porque es obvio lo que representa esa oscuridad, que parece envolverlo todo.

Se dice que la escena del eclipse fue hecha aprovechando un real eclipse que ocurrió en aquellos años.

Es así que cuando Barrabas vuelve ser apresado por los romanos, y estos no lo condenan a muerte, sino a trabajos forzados de por vida. Escuchamos sus palabras, en alusión a la vez que vio a Cristo: “Esa luz no era luz, era oscuridad”. Lo dice porque lo que debería representar esa luz, como la vida y la esperanza, para él significará seguir atado a una vida de la que no espera más que penalidades. La maldición de seguir vivo.


Barrabas al enterarse de su condena.

No puedo dejar de hacer mención de las escenas del Circo Romano y la lucha de Barrabas por ganar su libertad, como escenas bien ejecutadas, es algo que al director Fleischer  maneja bien y por supuesto cintas como: 20.000 leguas de viaje submarino (1954) o Los Vikingos (1958), dan fé de sus buenas escenas de acción.    


La lucha por la libertad.

Luego de ganar su libertad, ocurre la asfixiante escena en el que el protagonista se pierde en las catacumbas y somos testigos de su desesperación por encontrar aquella salida, metafóricamente aquella “luz al final del túnel”. Al final de ese laberinto encuentra una luz, pero una luz ficticia: el famoso incendio de Roma.

El clímax de la película sucede en su segundo encuentro con Pedro, en una prisión que comparte con los demás cristianos que han sido capturados por presuntamente provocar el incendio de Roma. Pedro amablemente le dice las cosas que Barrabas ha malinterpretado y mientras este se acuesta adormecido, como alguien que se ha dado por vencido en su búsqueda y mientras Pedro le habla de la fé, la esperanza y la necesidad de ser firmes en estos angustiosos momentos, vemos en contraste una de las transiciones más impactantes que he visto: Las cruces que aparecen delante de la cámara en una increíble toma panorámica, nos muestran de manera certera y dramática, el mensaje de desolación y atrocidad. 

La toma termina con un primer plano a Barrabas crucificado, incluso me atrevería a decir que es el último que queda vivo, por aquella maldición de “seguir viviendo”, “por aquella luz que no era luz”, porque esa intención de soledad es lo que narra Pär Lagerkvist en el libro y ya en los últimos fragmentos escribe: “...todos los condenado fueron crucificados en pareja uno al lado de otro, excepto por Barrabas que quedo al último”.

En su monologo final Barrabas menciona que le parece que es ya de madrugada, indicando que pronto saldrá llegara la luz del día, haciéndonos pensar que por fin la alcanzara, pero lo cierto es que él nunca logra ver aquella luz.


Conclusiones

La película nos habla del bien y el mal, pero no necesariamente la lucha entre ambos, sino de una búsqueda infructuosa y tortuosa. La trama nos devela la vida de un antihéroe que siempre estuvo inmerso en la oscuridad y su búsqueda por alcanzar aquella luz que apenas comprende, por aferrarse a la esperanza y la fé, aunque sin saber cómo y cuyo desenlace final en el que nos debería mostrar la redención de su personaje principal, nos termina mostrando de manera ambigua, un: ¿quien sabe?.

Puntuación: 8.5 



domingo, 23 de abril de 2017

Rozen Maiden - Zurückspulen: La Realidad o La Fantasía


TITULO ORIGINAL

GÉNERO
Fantasia / Comedia / "Drama"

ESTUDIO DE ANIMACIÓN

DIRECTOR

MANGA








Introducción

A casi siete años de la segunda temporada, Rozen Maiden, el manga creado por el dúo de artistas Peach-Pitt, tuvo su tercera adaptación; esta vez a cargo del Studio Deen, cuya versión nos traería dos cambios visibles: la primera, una animación que es reflejo de las nuevas tendencias de la década presente, y me refiero a la utilización del 3DCGI. Y el segundo cambio que es más importante, la historia y el tratamiento de la misma.

¿Le darás cuerda o no?

El primer capítulo, es una especie de recuento de lo que ocurrió en la primera temporada, este inicia con la decisión que cambiara la vida de Jun Sakurada, la aparición de un extraño contrato con la pregunta: “¿Le darás cuerda o no?”; Jun aun ignorando por lo completo las consecuencias, marca que sí, y entonces ocurren los acontecimientos de la primera y segunda temporada. Esta tercera temporada, plantea el supuesto, de lo que hubiera ocurrido si el protagonista hubiera elegido “no”.


Jun Sakurada y su decisión

Si has visto la película, “La Desaparicion de Haruhi Suzumiya, podrás tener un mejor contexto de las intenciones de esta tercera temporada de Rozen Maiden. En esencia  ambas tratan de la pérdida del elemento fantástico y la elección entre una vida normal o una vida llena de fantasía con las implicaciones y peligros que podrían conllevar.

El protagonista ha crecido, ha logrado superar su etapa de hikikomori por su propia cuenta y ahora vive sólo en un pequeño apartamento, tiene un problema de asistencia a la universidad, además de un poco envidiable trabajo de medio tiempo.
Y es todo un acierto como se nos presentan la vida de Jun Sakurada, en el mundo real. Las escenas nos muestras monotonía, el tiempo cobra peso como si estuvieras viendo una anime del género “Slice of Life”. Por supuesto hay detalles que nos indican la intención del director de mostrarnos cotidianidad, como la animación de la escalera que lleva al departamento del protagonista, que siempre se repite cuando él regresa a casa.


Un segundo titulo de la serie debería ser: "La ordinaria vida de Jun Sakurada"
Pero de pronto un mensaje a celular de su yo del pasado, el que había aceptado el contrato en otra dimensión, cambia de nuevo su vida.
De acuerdo aquí hay un par de agujeros en la trama que no se explican, pero este es un mundo mágico donde cualquier cosa puede pasar, así que como dije en la reseña anterior: hay que flexibilizar nuestra suspensión de la incredulidad

Y el hecho de que ambas versiones de la misma persona, (Jun joven de las primeras temporadas y Jun adulto de esta temporada) tengan un contacto, es el inicio de la unión entre la realidad y fantasía, tal vez como un mensaje oculto que nos habla de la esperanza que tenemos puesta en la fantasía, como aquella que rompe la monotonía de una vida poco satisfactoria y aburrida. De esto también podríamos interpretar, que la versión del protagonista que se ha hecho mayor y está trabajando, es una muestra de la pérdida del contacto con la fantasía (perdida del niño interior), conforme las personas crecen y adquieren nuevas responsabilidades.


El momento en que ambos universos se contactan

Lo que pudo ser. (Alerta de spoiler moderado)

En los capítulos finales la serie, cuando el camino de ambos mundos parecen separarse y la fantasía y la realidad nuevamente empieza a divergir; vemos los cambios que se han generado en el protagonista: A pesar que la vida no le parezca tan satisfactoria y sea consciente de sus limitaciones como persona, en perspectiva, la trama nos muestra que ha logrado verdaderos avances en cuanto a su propia vida y a pesar que parezcan cambios modestos, notamos que es algo que él ha logrado por sí mismo. El mensaje nos dice que no importar que el resultado no esté al nivel de nuestras expectativas, siempre hay algo de que enorgullecerse, siempre y cuando dejemos de vernos nosotros mismos con ojos demasiados críticos.


El momento en que ambos universos se separan

Y no es que este sobrestimando a la serie, pero esa clase de mensaje, tal vez no muy original, incluso diríamos conformista, es sobretodo un mensaje realista y agridulce, es por eso que en esos momentos me estaba planteando, que quizás la serie es más de lo que aparenta. Pero luego llego el capítulo 10.

Capítulo 10 y lo que realmente es.

Pues luego del capítulo 10 lo que tengo seguro, es que la serie no es un intento de discurso en contra del escapismo, al parecer estaba “sobreanalizando”. De pronto hay una pelea entre las muñecas por saber de quién será su médium el protagonista, una extraña situación harem, seguida de una incómoda escena de intento de beso robado por parte de una de ellas, luego retando la lógica y el buen gusto nuevamente fanservice, ¿y por qué no?

Y el que ambos mundos se separarían irremediablemente dando pie al mensaje del que hable. No, nada de eso, la historia termina con un descarado Cliffhanger al final, en el que vemos que nuevamente las dos versiones del protagonista volverán a estar juntos.

Puntuación: 6.5 

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Rozen Maiden – El inesperado factor Moe

jueves, 13 de abril de 2017

Rozen Maiden – El inesperado factor Moe


TITULO ORIGINAL

GÉNERO
Fantasia / Comedia / "Drama"

ESTUDIO DE ANIMACIÓN

DIRECTOR
Mamoru Matsuo 

MANGA






Introducción

- Esta reseña van con spoiler moderado.  

Rozen Maiden empieza dejando en claro un hecho vital: que estamos ante una historia que exige mucho a tu suspensión de la incredulidad y que por esas obvias razones, si eres muy exigente, es mejor evitarte la pérdida de tiempo.
Y si soy sincero, mi intención al ver esta serie era sólo para “desconectar”, no tenía pensado en escribir de ella, no creía que hubiera material suficiente para siquiera sacarle algo de interés a sus tres temporadas, pero al final he terminado sucumbiendo al inesperado factor moe. Sí al “moe”, yo quejando siempre de lo insufribles que son los personajes de Kyoto Animation que abusan de este recurso, para luego, en esta serie terminar más que sólo tolerando aquel recurso. 

Shinku

Breve análisis Primera Temporada

La sinopsis de la historia no puede ser más clara, todo se centra en  las Rozen Maiden (Doncellas de Rozen), siete muñecas viviente; en su lucha por prevalecer en un evento que se llama ”Alice Game” y así convertirse en una especie de versión perfecta, llamada Alice.

Mientras escribo esto, empiezo a estar consciente de lo ridículo que suena esta suena. Pero bueno, esto es anime ¿verdad? Así que como indique anteriormente, la serie requiere que no cuestiones muchos de sus argumentos,  es como siempre digo: “no preguntes mucho, por explicaciones que tal vez nunca recibas”.

La primera temporada empieza con Jun Sakurada, un Hikikomori que recibe un misterioso contrato que le da dos opciones: “Le darás cuerda o no“, (Ya saben no pregunten mucho), Jun acepta y se convierte en el médium de Shinku, la quinta muñeca Rozen,  y así la vida estancada del protagonista empieza a cambiar.


La clásica rutina de la bofetada
Y eso sería el mejor resumen de la primera temporada, una presentación de sus personajes, un poco de contexto de lo que significa el “Alice Game”, pero sobre todo centrada en el cambio de su protagonista, un cambio que ocurre por la interacción con ese elemento fantástico que repentinamente aparece en su vida. Por allí nos topamos con la acostumbrada comedia regular, centrada  en factor moe, que por supuesto, a pesar de mis simpatías, soy el primero en reconocer que no es suficiente para salvar la serie.


El factor moe
Hay escenas de acción, pero tampoco es que sea un apartado que le interese a la serie, y en cuanto al protagonista, su situación se desenvuelve de manera predecible, ya desde el inicio sabemos que se trata del clásico mensaje, que se ve repitiendo desde Envangelion: “Sobreponerse y afrontar  la realidad de la vida”. Pero lamentablemente a pesar de ello,  Jun Sakurada no deja de ser el irritante personaje olvidable del primer capítulo.

- Pero bueno lo que me sirve de  consuelo, es que no cayeran tan bajo, para incluir fanservice, porque sería completamente ridículo, ya siquiera plantear algún carácter sexual, en esa clase de personajes femeninos, eso sería caer muy bajo.


Rozen Maiden demostrando que sí puede caer aún más bajo

Segunda Temporada (Rozen Maiden ~Träumend~)

Siempre nos quejamos que la mayoría de veces, una segunda temporada termina arruinando una buena serie; pero en este caso es todo lo contrario. La segunda temporada de Rozen Maiden, logra darle algo de vida a esa opaca primera temporada. En primer lugar el nivel de la animación y dirección son  mucho mejor; supongo que fue porque la serie obtuvo más aceptación de lo que se esperaba y Nomad le proporciono un mayor apoyo a esta segunda temporada y bueno no hay nada como un buen presupuesto para mejorar en gran medida una serie, o al menos dar la sensación de mejoría.


Por supuesto no podría faltar esta escena en una nueva temporada.
Rozen Maiden –Träumend, está en centrada en mayor medida en el llamado: “Alice Game“, por lo que finalmente hay un serio enfrentamiento entre las Rozen Maiden, eso hace que la serie sufra cambios notables y deja de ser tan condescendiente con el espectador, incluso muestran temas oscuros y escenas conmovedoras. Lo que al final termina generando una posición de sus protagonistas, en cómo afrontaran esa lucha; permitiendo que sus personajes destaquen más allá de sus tropos, logrando incluso rozar la personalidad propia.

Por ejemplo la búsqueda por convertirse en Alice, la muñeca perfecta, es algo que se considera parte de su destino, es la máxima aspiración de sus protagonistas, sin embargo Suiseiseki, a pesar de ser egoísta y conflictiva, decide no participar, porque eso significaría luchar contra su hermana gemela. Souseiseki por el contrario, considera que convertirse en Alice es un deber que debe cumplirlo aún por encima de sus propios sentimientos.

Suigintou como personaje antagonista, logra una gran mejoría con respecto a la primera temporada, al principio está dispuesta hacer lo necesario por ganar, pero su relación con su médium, una chica con una enfermedad terminal, hace que su personaje gane un cariz de humanidad, que siempre le sienta bien a cualquier antagonista.  


El avance de la trama, ocasiona en sus personajes una relativa mejoría.
Shinku por su parte, luego de convivir con algunas de sus hermanas y luego de derrotar en la primera temporada a Suigintou y experimentar por ello la culpa, decide consecuentemente con sus principios, a pesar que en un primer momento convertirse en Alice era su mayor aspiración; no sólo no aceptar el “Alice Game”, que significaría luchar con sus demás hermanas, sino además plantearse que aquel enfrentamiento haya sido un error que ellas han malinterpretado y que debe haber otra manera de lograr ser Alice.
 De esta manera vemos a su personaje cambiar, sin perder su integridad, mientras avanza la trama. Y eso me resulta realmente sorpresivo ¿me están mostrando desarrollo de personaje en una serie que empezó de manera tan perezosa?

Conclusiones

Rozen Maiden, es una serie para el público otaku, para aquel que tiene un nivel de tolerancia robustecida por tanta excentricidad japonesa. Si obviamente me estoy incluyendo en ese círculo, y por eso mismo puedo decir que no es para todos. Hay escenas que me han divertido, la animación la hace tolerable en la segunda temporada, Shinku como personaje femenino me agrada realmente, se ha convertido en fuente de referencia para un personaje que estoy creando. Pero bueno es sólo eso, divertida si perteneces al grupo, algo que un fanático se puede permitir.

Primera Temporada: 3.9/10
Segunda Temporada: 6.0/10 

domingo, 2 de abril de 2017

SAO – La proyección superando al personaje (LN)

TITULO ORIGINAL
Acción / Aventura / "Drama"(Por lo menos el primer arco)

ESTUDIO DE ANIMACIÓN

DIRECTOR
Tomohiko Ito (Famoso por Death Note, Eraser, Silver Spoon)






- Esta reseña da por sentada que has visto SAO, por lo que supongo, no te importaran los spoilers.

Sword Art Online, como serie de acción empieza realmente bien. De pronto lo que sería el inicio de un nuevo juego de realidad  virtual en linea (VRMMORPG), se convierte en una lucha por sobrevivir. El creador del juego ha hecho ajustes para que los jugadores mueran físicamente, si sus avatars mueren en el juego; el que alguien les quite el casco de realidad virtual en la vida real, también tiene el mismo efecto. La única salida es atravesar los 100 niveles o pisos que tiene el videojuego, arriesgando la vida al enfrentarse a los monstruos  y jefes finales. Planteamiento directo  y emocionante.

La escena de la Introducción al mundo de SAO

El protagonista, uno de los tantos jugadores encerrados, toma la decisión de ir por su cuenta, de llegar antes que los otros a los primeros objetivos, para así acaparar mayores recursos (En este caso puntos de experiencia), una decisión egoísta, ruin incluso. Pero esto es una lucha por la sobrevivencia, así que Kirito actúa como la gran mayoría actuaria. Poniéndose a él como prioridad.


Kirito adelantándose a los demás.

A primeras impresiones, la serie nos habla de “La travesía”: el protagonista que se enfrenta con distintas dificultades en un mundo hostil, se nos muestra la muerte de sus primeros compañeros, para indicarnos el peligro real, en algunos capítulos, aunque con temas intrascendentes, como ayudar a revivir la mascota de alguien o buscar una nueva espada, temas que sirven como excusa para conocer un poco más este mundo artificial. Incluso hay momentos en el que la serie toma un respiro y muestra a su protagonista perdiendo el tiempo, pero aún allí podríamos decir que es la necesaria pausa para despejar un poco la tensión y dejarnos listos para más acción.

De pronto descubrimos que hay jugadores asesinando a otros jugadores, el grupo de Pk´s (Player Killers) llamados: “Laughing Coffin”. Y este nuevo peligro, ya no en el mundo que los rodea, sino en los otros jugadores, en su momento me pareció muy bien acertado, porqué redondea más la idea de una lucha por sobrevivir y la tensión frente al peligro. 
Pero claro, demasiada tensión podría ser contraproducente, así que  aparece  Asuna, y con ella el factor  fanservice; algo que se veía venir desde el inicio, ya que SAO tampoco es que quiera alejarse de los tópicos comerciales, pero siendo indulgente, diríamos que su presencia le añade una clase de soporte emocional al protagonista.


El grupo "Laughing Coffin".


Pero bueno, luego de lo descrito. ¿Por qué termina decepcionando SAO?

El problema principal,  es que este arco termina abruptamente. Se revela al villano principal oculto entre los otros jugadores y Kirito lo derrota en una pelea vistosa, pero sin peso emocional. Luego pasamos al segundo arco y todo lo anterior es desechado, se convierte en mero relleno, en algo que la serie abandona y nunca más se vuelve a tocar, una experiencia que no perdura en sus personajes y del que se olvida  como si hubiera sido un simple sueño o nos hubiéramos pasado un videojuego sin mucha trascendencia y nunca más quisieras volver a él. Que irónico, ¿verdad?


El abrupto enfrentamiento final. 


Es la proyección del espectador en el protagonista, lo que al final pesa más que la historia misma, más que el propio desarrollo del personaje principal. Por ejemplo la escena del penúltimo capitulo, en el que el intento de villano, tiene a Asuna encadenada y  amenaza con abusar de ella, mientras Kirito permanece inmovilizado. Algo que me recuerda a la escena del eclipse en Berserk, pero  como es obvio, no tiene la misma intención.


El "villano" de telenovela que quiere aprovechar la oportunidad.

En Berserk, tú sientes el shock de aquella escena, Guts no puede hacer nada, ve impotente como  el último rasgo de calidez humana que ha experimentado en toda su vida, desaparece de la manera más desgarradora y afrentosa. Es por ello que a consecuencia, se convierte en alguien sin escrúpulos y cruel, en más de una ocasión parece decirnos: “Si no eres lo suficientemente fuerte, sólo muere”. Una frase que también es una recriminación hacia el mismo, porque no fue lo suficientemente fuerte para evitar  aquella tragedia. Y así muestras el desarrollo de un personaje en la trama.  

En SAO, es muy diferente; Kirito logra liberarse para salvar a Asuna, rompiendo incluso las propias reglas de su mundo, porque la serie está más interesada en  mostrar a un Gary Stu invencible, esa fantasía de poder que complace, la proyección del espectador,  el centro de atención de aliados y enemigos. Pero lo que la serie implícitamente te está diciendo, es que su protagonista es capaz de lograrlo todo y que cualquier atisbo de adversidad, no será más que falsa tensión forzada.

Y es por ello, que SAO deja de plantear cualquier trama interesante, y termina siguiendo los “fetiches  argumentales” populares entre la gran mayoría de otakus: El harem en el que cualquier personaje femenino termina enamorándose del protagonista, el empalagoso triángulo amoroso incomodo, con tendencias tabú. Incluso en la segunda temporada, aparece una nueva co-protagonista femenina y Kirito irrumpe en el travestismo, como para darle cierto guiño al público masculino que le gusta el “Yuri”. Ah! y he de suponer, que si le dan el tiempo suficiente a la franquicia, esta terminara abarcando todos los fetiches otakus posibles.    

Conclusiones

Ya que soy fanático del anime no puedo decir, que es la primera vez que veo algo así, incluso no puedo decir que no entiendo porque ha tenido tanto éxito esta serie, y también admito que he sido fácil presa en el pasado, (no sé que tanto en el presente) de ese escape a realidad que el anime logra proyectar. Pero tampoco es que pueda decir que el recurso de la proyección del espectador sea suficiente para lograr hacer una buena serie. Es sólo facilismo, es condescendencia vacía de contenido real.

 Puntuacion: 3.8/10


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